Heidi Fosli

Heidi Fosli

Heidi Fosli - Italy, 2018

di Vittorio Sgarbi

Non é difficile rinvenire nella norvegese heidi fosli alcune componenti tipiche dell’arte moderna d’area scandinava. Partirei della centralità del rapporto con la natura, anche quando non fosse l’oggetto diretto delle rappresentazioni, sul quale si proietta, in diretta relazione con esso, anche quello con il genere umano. Il bisogno, ancestrale, é quello di sentirsi in pace con l’una e con l’altro, nell’intento di ottenerne sufficiente piacere vitale; ma é complicato conseguirlo, perché eventuali difficoltà sul versante delle relazioni sociali finirebbero per ripercuotersi sull’altro (un’infanzia impoverita negli affetti, per esempio, può indurre a farci percepire la natura in modo ostile, come se ci negasse i godimenti più elementari), e viceversa. Troppo vasta, troppo potente, la natura, per immaginare di stabilire con essa un rapporto da pari a pari: l’unica via a disposizione é il sentimento che di essa si può provare, la ricerca di una condizione emotiva per cui credere di far parte di una stessa famiglia, figli benaccetti di una madre così terribilmente immensa e dispersiva da farci dubitare sul fatto che sia in grado di concepire la generosità d’animo come la intendiamo noi. Così, da seme che vuole sentirsi fratello di milioni di semi, da goccia sorella di miliardi di gocce, la fosli immagina situazioni vissute come flussi interiori che non distinguono più fra ciò che capita fuori dalla mente e quanto le succede dentro, aspirando all’immersione in un tutto panico entro il cui vortice le cose si sciolgono nelle loro impressioni e si amalgamano reciprocamente come a costituire un nuovo, o forse redivivo brodo primordiale. Per tradurlo in pittura, la fosli ricorre a un colore di chiara eredità espressionista, in linea con la migliore tradizione scandinava, estremamente vibratile nell’aggrumarsi a tocchi densi e accostati, quasi da Nabis, caricati di luminescenze distese a pioggia, che evocano fantasmi di figure primordiali o paesaggi in sublime stato di isolamento. le tinte fredde si alternano alle calde come aloni di ghiaccio farebbero con i riverberi di fuochi vulcanici, in un accesso, contrastato, qualche volta spiazzante, ma inappuntabile equilibrio visionario.

Vittorio Sgarbi

It is not difficult to find in the Norwegian heidi fosli some of the typical elements of scandinavian modern art. I would start from the centrality of the relationship with nature - even while not being the direct object of the images - on which the directly relating one with mankind is also projected. The ancestral need is of feeling at peace with both, in the aim of obtaining sufficient vital pleasure from them; but this is complicated to attain, because any difficulty in terms of social relationships would eventually affect the other (a loveless childhood, for example, can cause us to perceive nature as hostile, as if it were denying us the most basic pleasures), and vice versa. Nature is too vast, too powerful for us to imagine establishing a relationship with it as equals: the only solution we have is the feeling we may have of it, the research of an emotional condition for which we may believe we are part of the same family, welcomed children of a mother so terribly immense and dispersive as to make us doubt her ability to conceive good heartedness as we understand it. Thus, like a seed that wants to feel like the brother of millions of seeds, like a drop sister to billions of drops, fosli imagines situations experienced as inner flows which no longer distinguish between what happens outside the mind and what happens within her, striving for immersion in an irrational whole in which things melt in their impressions and merge together as though making up a new, or maybe returned primordial broth. Translating this into painting, fosli resorts to a colour of clear expressionist heritage, in line with the best scandinavian tradition, extremely vibratile in clotting itself into thick and juxtaposed strokes, which are almost Nabis, charged with sprinkling luminescence, evoking ghosts of primordial figures or landscapes in a sublime state of isolation. The cold shades alternate with the warm like ice halos would with the glare of volcanic fires, in a glowing, contrasted, sometimes unsettling, but faultless visionary balance.

Vittorio Sgarbi

Translation/Traduzione: Daniela Fraioli Art Historian and Translator/Storico dell’Arte e Traduttrice

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    Heidi Fosli - The Revolution of Impressionism, Italy, 2016

    di Daniela Fraioli Art Historian

    Entering the dramatic, but at the same time mysterious and subconscious realm of artist Heidi Fosli is a risk for any art lover, however a necessary one, if the truth still were that the very essence of art is to allow a deeper grasp of reality. The depiction of the dynamics of thoughts, personal interactions and emotions and their effect on our visible reality is possible because the artist fixes upon the canvas the actual result of these very same dynamics in herself, transforming her physical, emotional and psychological experiences into tangibility and concreteness: her artwork. This transformation takes place in Heidi Fosli’s paintings as a dream in the night, when what was known yesterday is suddenly deconstructed tomorrow and a new truth, difficult to believe at first, is coming to the surface. Her automatic, spontaneously executed paintings allow this emersion, and she herself is often bewildered by the messages that are spoken to her by her most hidden self. Mysterious faces and features, anthropomorphic and zoomorphic elements, unexpected human motions and references to art history she is unaware of appear on the canvas while the artist is looking for, experimenting or trying to understand something else. “Today my main theme is society”, Heidi says. “Not inter-human relationships, but that’s where I started. From day one, my inner soul and my heart decides what is going on the canvas. I never look at the outer world, only my experiences have influenced me. There is not one incident. The reference material is what then comes out on the canvas.” Heidi Fosli likes to compare this transformation to the passage from an imbalance to a balance. Her starting points are, therefore, the imbalances of our lives, of our world, seen in this way not only as personal issues, but also as global ones, to be resolved through a common shift in perspective and awareness provoked by the deepest collective subconscious symbols, which arise spontaneously in her art. The result on the canvas should be a solution, a formula on how a well-functioning society should be like. The “imbalances” that she pinpoints in her work are those to do with injustice, of all sorts. Violations of rights and dignity, discrimination, isolation, lack of communication, inequality, especially between genders, races and religions, domination of the presumably more powerful over the weakest, selfishness and greed versus empathy and understanding, crushing of personal identities into meaningless conformation through fear, intimidation or the pressure of society instead of individual awareness and uniqueness to be shared with humanity. Appearance over essence. Recent works such as Conformity, Identity, Independency and Discovery, all dating to 2016, are emblematic of her research. The disparity between genders is the one Heidi feels even closer to her own experience in the art world, where female artistic recognition, she discovered, was much more difficult to attain. Her impression was that male artists were naturally more confident than female artists were and could more easily uplift and think well of themselves. This extreme difference and “imbalance” between men and women, in the artist’s opinion, generates from a predominantly male-powered society, in which women are still violated and deprived. In her own country, Norway, female liberation still does not exist and disparities continue in the family, in the work environment and in the differences between educational and formative backgrounds. Idealistic movements, which try to help women, are trampled on in all aspects. The illusion, however, is that male and female are equally empowered in our societies and that their relationships are ideal, but this ambiguity emerges fiercely from the artist’s work, resulting in reversed and fused masculine and feminine identities where diversity has been annihilated and “loving” feelings are exposed in their untruthfulness. Prima Ballerina (2016), Amor Fati (2016), The perfect Man or the perfect Woman? (2015), Comfort (2014), Imposed (2014), Empathy (2013), No Mercy (2003) as well as many other paintings deal with these gender dynamics leaving the viewer to come to his own conclusions. Ambiguity, illusion and transformation could be considered key words to understanding Heidi Fosli’s Opera Omnia: from a staircase that could be leading us up or down (Stairway to Heaven II, 2012), to hypocritical layers of masks worn in the society of appearance, which can only slip away through intuitive recognition of others’ and our own real identities (Boston Tea Party, 2014) or to the stunning transformation of a female identity once emotionally crippled by her own pitiful, unaware narcissism into a real, dignified and therefore beautiful human being (Avant Garde, 2014). Heidi Fosli discovered herself recalling many different artistic styles and techniques, sometimes aware of her references, many times intrigued to see similarities unknown to her pointed out by her art viewers. Among the earliest, clearly northern European Expressionism seems to have elements in common with some of her work. Egon Schiele, for example, with his rigid drawing, recalls No Mercy, 2003 while Edvard Munch shares a similar deep psychological and emotional introspection and expression, even though the differences between his painting The Scream, 1893 and Heidi Fosli’s Erbaut Bridge, 2012 lie in the totally ambiguous structure of the latter work seen in the instability of the bridge, the anonymity of the human figures (which could well be simply part of the material railing), or the flatness of space and perspective, leaving an indifferent feeling to a personal drama which is pushed to the back, to a less important position, while unempathetic observers watch on: the secondary figures in The Scream haven’t completely understood the anguish…those in Erbaut Bridge see everything, but simply don’t feel or care. Dalì, Kandinsky and De Chirico, even though close in dreamlike themes and automatism, are far from Heidi as theirs remain codes, invented, applied, but not deriving from a real communicable experience. Expectant Joy, 2013 is one of Heidi Fosli’s works where many citations appear, from Henry Fuseli and his ghostly romantic creatures embodying light and darkness in nightmarish, almost Caravaggesque scenes to Masaccio and his early Renaissance Expressionism. French Pointillism obviously comes to mind flowing into full Impressionism, with intense coloured strokes that can only recall as many other works by Heidi Fosli, the later, more abstract works by Claude Monet. Among the many influences, in fact, Impressionism and Expressionism are the styles to have the strongest impact on Heidi Fosli’s work, fused together in a seemingly unique one. Nevertheless, if Expressionism is the language of the soul, Impressionism, by definition, is the art of illusion and unreality, or a reconstructed reality by the artist. Heidi Fosli, on the contrary, creates a “New Impressionism”, where the transformative experience of art-creation allows the birth of a new reality, which has nothing to do with an impression, as it is the deepest reality, not just the artist’s truth, but the truth which emerges alone. The two “warm” figures who walk out of the painting Amore 2015, towards the viewer, are doing so independently, unaware of the artist’s desires, but escaping from everyone else towards their own.

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    Heidi Fosli - Il Genio dell´Arte, Luglio-Agosto, 2015

    di Salvatore Russo Arte Critico

    Heidi Fosli elabora, tramite la propria arte, un nuovo linguaggio, costruito su percezioni emotive. La pittrice opera nell'ambito dell´arte informale per dare respiro alla mente, e per raggiungere cosi un risultato fortemente espressiva. La luce che emana dall´opera diventa chiave di lettura fondamentali all'interno il suo lavoro. La pennelate ampie, definite da una gestualità avvolgente, si incontrano per dare il via un dialogo tra pigmenti che con delicatezza si incontrano e si mescolano sulla tela.

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    Heidi Fosli - Kunstens Geni, Juli-august, 2015

    av Salvatore Russo Kunstkritiker

    Heidi Fosli prosesserer, gjennom sin kunst, et nytt språk, som er bygget på emosjonelle oppfatninger. Kunstneren arbeider i uformell kunst ved å gi åndedrett til sinnet, og for å oppnå et slikt resultat ved å være sterkt ekspressiv. Lyset som kommer fra arbeidet blir nøkkelen til å forstå det grunnleggende innenfor hennes arbeid. De brede strøk, definert av omsluttende gester, møtes for å sparke i gang en dialog mellom pigmenter som forsiktig møtes og blandes på lerretet.

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    Heidi Fosli- The Genius of Art, July-August, 2015

    Art Critic written by Salvatore Russo Art Critic

    Heidi Fosli processes, through her art, a new language, on built emotional perceptions. The artist operates in the informal art to give breath to the mind, and to achieve such a result by being strongly expressive. The light emanating from the work becomes key to understanding fundamentals within her work. The broad strokes, defined by enveloping gestures, meet to kick off a dialogue between pigments that gently meet and mingle on the canvas.

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    Motivazione Critica e Premio Biennale Leone dei Dogi Venezia Luglio 2015

    di Mariarosaria Belgiovine, Critico d´arte e direttrice Artexpo Gallery

    All’Artista Heidi Fosli. La stesura accoglie una gestualità rivolta all´essenza delle energie, con linguaggio rivolto alle analisi di ogni suggestione. I suoi sentimenti evocativi elaborano la deduzione del suo progetto creativo, estratto dalle sue personalissime emozioni.

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    Reason and Critique Award Premio Biennale Leone dei Dogi Venice, Venice, Italy, July 2015

    by Mariarosaria Belgiovine, Art critic and director Artexpo Gallery

    Artist Heidi Fosli. The work welcomes gestures directed to the essence of energy, with a speech addressed to the analysis of each suggestion. Her feelings evocative draw the inference of her creative project, extracted from her very personal emotions.

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    Begrunnelse og Kritikk Premio Biennale Leone dei Dogi, Venice, Italia, April 2015

    av Mariarosaria Belgiovine, Kunstkritiker og direktør Artexpo Gallery

    Kunstner Heidi Fosli. Arbeidet tar imot gester rettet mot essensen av energi, med en tale rettet mot analyse av hvert forslag. Følelsene hennes fremkaller stemningsfult den slutning av hennes kreative prosjekt, hentet fra hennes svært personlige følelser.
  • Kunstkritikk: Se kunstkritikken her:

    Motivazione Critica e Premio 1er Grand Prix de la Cote d´Azur, Cannes, Frankrike, April 2015

    di Jean Charles Spina, Critico d´arte, Nizza, Francia

    All’Artista Heidi Fosli. Una serietà costruttiva del suo percorso creativo, continua ed emerge nelle sue opere, riconoscibili per la gestualità personale, e per l’uso dei cromatismi intensi e personale. Le sue opere esaltano l’istinto e l’inconscio, e rivalutano ogni atteggiamento di naturale e spontanea armonia compositiva, evocando la suggestione cromatica. Opera premiata: Global Challenge

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    Reason and Critique Award 1er Grand Prix de la Cote d´Azur, Cannes, France, April 2015

    by Jean Charles Spina, Art critic, Nice, France

    Artist Heidi Fosli. A constructive seriousness of her creative journey continues and emerges in her works, recognizable gestures staff, and for the use of the colors intense and personal. Her works highlight the instinctive and the unconscious, and revalue every attitude of natural and spontaneous compositional harmony, evoking the charm of color. Winning work: Global Challenge

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    Begrunnelse og Kritikk Award 1er Grand Prix de la Cote d´Azur, Cannes, Frankrike, April 2015

    av Jean Charles Spina, Kunstkritiker, Nice, Frankrike

    Kunstner Heidi Fosli. Et konstruktivt alvor i hennes kreative reise fortsetter, og fremkommer i hennes arbeider, gjenkjennelig for hennes personlige stil, og for bruk av de intense og personlige fargene. Hennes arbeider markerer det instinktive og det ubevisste, og revaluerer hver holdning av naturlig og spontan kompositorisk harmoni, fremkaller skjønnheten av farge. Vinnende arbeid: Global Challenge
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    Heidi Fosli- La figurazione dell'onirico, Ottobre, 2014

    di Salvatore Russo Arte Critico

    La figurazione dell'onirico. Così voglio definire le opere di Heidi Fosli. Opere che vengono partorite dalla mente dell'artista, per poi essere fissate su tela. Chi osserva tali opere, viene catapultato all'interno di un nuovo Eden celeste; un paradiso figurale, creato attraverso la magia della cromia, e l'eleganza della forma. Con grande raffinatezza stilistica, Fosli, delinea quelle, che sono le tracce immanenti dei luoghi, in cui ci viene riproposta la quotidianità. Le scene ritratte, sono situazioni reali, che l'artista, rivisita in chiave fortemente onirica e simbolista. La scena pittorica è invasa, così, da un romanticismo sublime. La pittura di Fosli, porta l'osservatore ad esplorare i luoghi nascosti, della mente dell'artista. Di grande rilievo è l'uso che Heidi fa a livello cromatico. Un linguaggio cromatico estremamente vario, avvolge il detto su tela. Una cromia molto ricercata, che , attraverso colori caldi, ci fa capire la personalità dell'artista; una personalità molto forte e sensibile. Questa sensibilità è la grande forza di Fosli. Una sensibilità che libera il mondo dai suoi mali e lo porta a vivere nella luce.

    Heidi Fosli- The figuration of dreams, October, 2014

    Art Critic written by Salvatore Russo Art Critic

    The figuration of dreams. So I want to define the works of Heidi Fosli. Works that are born of the artist's mind, only to be put down on canvas. Anyone who observes such works, is catapulted into a new heavenly Eden ; a figural heaven, created through the magic of chroma and elegance of form. With great stylistic refinement, Fosli, outlines those that are immanent in the traces of the places, where everyday life is revived. The scenes depicted are real situations, the artists reinterpretation is strongly dreamlike symbolistic. The pictorial scene is flooded, so sublime a romance. The painting of Fosli, leads the viewer to explore the hidden places of the mind of the artist. Of great importance is that Heidi is at a chromatic level. A chromatic language that is extremely varied, told on canvas wraps. A much sought after color scheme, which, through warm colors, it makes us understand the personality of the artist; a very strong and sensitive personality. This sensitivity is the great strength of Fosli. A sensitivity that frees the world of its illnesses and brings it to live in the light.

    Distant and Inner Being in the Paintings of Heidi Fosli, October 2014

    Art Critic written by Manhattan based art writer John Austin

    The expressive dynamism of Heidi Fosli´s figural abstractions, with their genuinely free spirit, are filled with a type of mystifying enigma that bears close scrutiny. They express the fundamental reason art lovers and creators in the visual arts are drawn to images. There is a metaphysical sense that pervades this moody work in which implied oppositions are put into play. The suggestion of eternal recurrence, so valorized by Nietzsche in his "Ecce Homo" seems particularly noteworthy in Fosli´s oil on canvas paintings. Here the affirmation of passing away and destroying, and the implication of the unconditional and infinitely repeated cyclical course of all things pervades this imagistic work. Fosli´s best visual work says the inexpressible using forms and colors. Indeed art is the paramount language of the unsayable in which, as Theodor Adorno claims, it is seen as a dialectic between the intuition and rationality, as it attempts to approximate thing and expression so closely that difference disappears. In Heidi Fosli´s canvases the sense of confidence is mixed with an element of pure, urgent sagacity in spite of the aesthetic rowdiness with which the eye is initially confronted. Unlike the academicism of what might be considered "Traditional" post-modernism, which continually attempts to shock and reshock anew its audiences, Fosli is guided by a sensibility, which eschews destabilization, substituting in its stead an urge toward integration and assimilation. She is guided by the act of acknowledging and incorporating qualities that are derived from non-formal sources. Similarly her sensibilites are multi-layered as they are at once highly disciplined, intuitive and selfconscious as she applies her efforts to reject the premise of a supposed rupture with the past and an inevitable apocalyptic denouement to the postmodern condition. Poised between being completely non-representational, yet retaining a residual figural impulse in which bodies and landscapes are slightly referenced by an obligingly oblique sugestiveness on the part of Fosli, her paintings, such as Ambivalence, Distant Being, thoughts, revitalize the world in one sense by referencing its materiality. On the other hand the artist makes the world more insecure through her churning abstractionism, and allows a timelessness and presentness to intrude on notions of recording the life-world. Instead , fleeting perceptions and sensations within the artist´s sensorium are tracked and recorded through gesture and color, and through her uninhibited blotches akin to the way poets secure their imagistic sensations through words of color while removing the tags of pictorial literalism in the process. The immediate, the concrete and the irreducible of modern life is what Heidi Fosli has chosen to bring to light in her work. Her coloristically saturated paintings are the surrogate psychic spaces that resonate with our own value and emotion-laded perceptions of a world both atomized and united in a frenzy of space, speed and time. Within these surrogate spaces the artist takes on an pictorial ride that is unforgettable: sailing between the Scylla of psychic assimilation and the Charybdis of social incoherence we take the measure of our worlds, both inner and outer, through Fosli´s intoxicating pictorial language. Most compellingly, it refuses to hear itself speak through echoes, preferring instead to reveal directly mystical evocations of the beauty of the distant and inner being.

    Motivazione Critica Premio Palma d´Oro Montecarlo, Monaco, September 2015

    di Mariarosaria Belgiovine, Critico d´arte e direttrice Artexpo Gallery

    All’Artista Heidi Fosli. Un linguaggio cromatico che mostra la suggestiva personalità creativa ed istintiva dell´artista. L´espressionismo si compone con eleganza e valida sintesi pittorica, fino alla vibrante descrizione dell´inconscio. Quadro premiata: "Fede"

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    Reason and Critique Award Gold Palm of Art, Montecarlo, Monaco, September 2015

    by Mariarosaria Belgiovine, Art critic and director Artexpo Gallery

    Artist Heidi Fosli. A chromatic language that shows the striking personality and instinctive creativity of the artist. The expression is composed with elegance and good pictorial synthesis, to the vibrant description of the unconscious. Winning work: "Faith"

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    Begrunnelse og Kritikk Gullpalmen for kunst, Montecarlo, Monaco, September 2015

    av Mariarosaria Belgiovine, Kunstkritiker og direktør Artexpo Gallery

    Kunstner Heidi Fosli. Et kromatisk språk som viser slående instinktiv og kreativ personlighet av kunstneren. Uttrykket er sammensatt med eleganse og god billed syntese, til den pulserende beskrivelse av det ubevisste. Vinnende arbeid: "Faith"
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    Heidi Fosli, Rome, 2012

    di Costanzo Costantini

    Guardando i quadri di Heidi Fosli ciò che colpisce è la padronanza dello spazio, la struttura compositiva, la singolarità di certi colori, elementi che fanno di lei -donna artista dalle profonde inquietudini esistenziali e dalle problematiche intellettuali piuttosto complesse- una pittrice engagèe, pur se questo aggettivo è ormai fuori uso, come è fuori uso il nome del filosofo, Jean-Paul Sartrre, che negli anni dell’immediato dopoguerra, dapprima con la famosa Presentazione di”Temps Modernes”, poi con il saggio “Che cos’è la letteratura?”, lanciava la teoria dell’engagement, che doveva suscitare tante polemiche nell’ambito della sinistra e non solo della sinistra, anche perché l’engagement veniva confuso con il realismo socialista, con il quale aveva ben poco a che fare. Gli intellettuali che rifiutavano questa confusione preferivano all’aggettivo impegnato l’aggettivo imbarcato, desunto da Pascal e usato anche da Camus.

    Oggi come oggi non è illecito usare l’aggettivo impegnato ma è meglio dire “impegnato nel sociale”.Invero in arte questa formula, nell’Europa culturalizzata, per così dire, la si usa poco, ma non sarebbe improprio usarla per la pittrice Heidi Fosli, che proviene dalla Norvegia ed espone per la prima volta nella capitale italiana,. Nelle sue opere 2OO2 – 2O12 ricorrono infatti le parole o frasi “Ponti-Strade-Infrastrutture all’interno della nostra società-Dinamismo- Persone che si collegano- Culture che si collegano-La globalizzazione”, un frasario insolito in Italia, pur se da noi non mancano artisti che si occupano dei problemi sociali. Inoltre ella si pone domande che non appartengono propriamente all’ambito artistico, ma piuttosto alla filosofia, alla sociologia, alla politica. Ne citiamo qualcuna:”E’ così che ci avviciniamo a vicenda o ci respingiamo a vicenda?” ;“Ci stiamo avvicinando gli uni agli altri o stiamo perdendo contatto?”; “Liberà di parola.Stiamo diventando Confortably numb? Inoltre, nel suo vocabolario spiccano due parole di cruciale attualità, quali “ Democrazia Ingiustizia”., nonché la frase “Riflessioni Misteri irrisolti”, che è pura filosofia, ma che ingloba anche la scienza, la religione, la teologia, lo scibile nel suo complesso...

    Ma la cosa essenziale è che Heidi Fosli non risponde queste domande con le parole, bensì con le opere., ossia da pittrice, con dei quadri che rivelano grande sapienza tecnica, piena conoscenza degli strumenti di lavoro, sapienza nella scelta e nella combinazione dei colori, possesso dello spazio simbolico in cui avviene il miracolo della creazione artistica.

    Heidi Fosli potrebbe essere definita un’ artista concettuale, se quella artistica on fosse di per se stessa, per sua natura, un’attività concettuale, secondo quanto scrive Leonardo nel Trattato della Ptttura:”Ciò che è nell’universo per essenza, presenzia o immaginazione, il pittore lo ha prima nella mente e poi nelle mani”.

    Nata nel 1961 a Sandefjord, Heidi Fosli ha studiato teatro e arte a San Francisco, ma la sua cultura resta alla base norvegese o nazionale ( si è laureata in psicologia presso l’Università di Oslo). E’ una figlia di Ibsen e di Munch, dell’Ibsen di una Casa di bambola e di Hedda Gabler e del Munch di La Bambina malata. Dal primo ha attinto il concetto dell’autonomia personale della donna, dal secondo, oltre la passione per la pittura, l’interesse per i problemi sociali. Benché distrutto dalla morte della madre della sorella Sophie, l’autore del Grido non aveva mancato di prestare la su a attenzione ai problemi del mondo operaio e industriale. E’ peraltro noto che in Norvegia, come pure in Svezia, il movimento femminista ha avuto più successo che in altri paesi del continente.

    Heidi Fosli potrebbe essere additata come esempio per le pittrici e scultrici italiane, che non hanno mai rivendicato i loro diritti nel campo del potere artistico, Il Futurismo annoverava pochissimi nomi di donne, il gruppo “Forma I” un solo nome, (Carla Accardi), la Scuola di Piazza del Popolo un solo nome (Giosetta Fioroni), l a Nuova Scuola Romana non più di quattro o cinque nomi Nè la storia dell’arte in generale fornisce esempi più confortanti Nella sua Naturalis Historia Plinio citava soltanto sei nomi di donne, il Vasari nelle Vite dei più eccellenti architetti, scultori e pittori una diecina.

    Heidi Fosli si cimenta anche dell’arte del ritratto, un’arte in apparenza facile, in realtà molto difficile. Come è più che noto, Leon Battista Alberti diceva che la pittura è nata da Narciso che si specchia alla fonte: “ Io sono usato dire fra gli amici che l’inventor della pittura sia stato quel Narcisso il quale, secondo l’opinion dei poeti, fu mutato in un fiore. Perciò che essendo la pittura fiore di tutte le arti, tutta la favola di Narcisso si confarà allora a questa materia. Perché che altro è dipingere che abbracciare con arte quella superficie della fonte?”. In altre parole, la pittura sarebbe nata come autoritratto, o come autoritratto e come ritratto: un autoritratto è pur sempre un ritratto, come un ritratto è, in varia misura, un autoritratto, perché il ritrattista trasfonde in esso, a livello conscio o inconscio, qualcosa di se stesso, come pare dicesse già Michelangelo.Diceva Maurice Denis nel I98O:” Il soggetto del pittore è lui…tutta l’arte è nel rappresentar se stessi” Per quanto riguarda la somiglianza fra ritrattato e ritratto, può essere illuminante l’episodio Picasso-Gertrudex Stein.” Ma non mi somiglia”, gli aveva detto la scrittrice, che pure era stata costretta a posare per ben novanta volte, “ Col tempo le somiglierà”, le aveva risposto il maestro spagnolo. Alberto Savinio sosteneva che non è il ritratto che deve somigliare al soggetto ritratto, ma il soggetto ritratto al ritratto, in quanto il ritratto è una libera interpretazione del ritrattista. Particolarmente interessante sull’arte del ritratto il colloquio avvenuto a Palermo.fra Sofonisba Anguissola. e Van Dyck. Sofonisba Anguissola:”E così, venite dalle basse terre di Fiandra”:Van Dyck. “Si., mia signora, e il mio nome è Anton Van Dyck.Il vicere Emanuele Filiberto mi ha ordinato un ritratto e sono venuto per servirlo in questa Palermo bianca di luce”: Sofonisba Anguissola: ”Dunque anche voi vi misurate con la complessa arte del ritratto, un difficile equilibrio fra verità e adulazione”: Van Dyck:”Non per voi che siete una maestra per tutti e avete appreso ogni segreto alla corte di Spagna” Sofonisba Anguissola:”Oh, non crediate che quattordici anni siano sufficienti a penetrare un’etichetta studiata per dissimulare la naturalezza col massimo grado d’artificio”.

    Heidi Fosli- Ponti immaginari per un futuro migliore, Roma, Italia, 2012

    di Floriana Tondinelli

    L'ascesa nel panorama artistico norvegese ed internazionale di Heidi Fosli inizia nel 2006, quando l'artista decide di iniziare ad esporre le sue opere. Una scelta per l'appunto maturata dopo un percorso artistico intenso e nutrito di conoscenze. Materia di apprendimento e di scoperta per l'artista sono i numerosi viaggi intorno al mondo, che le consentono di vedere le persone, i luoghi, le atmosfere con gli occhi di una pittrice e non solo come mera spettatrice.

    Queste esperienze formeranno Heidi Fosli fortemente, crescendo in lei sentimenti di speranza e condivisione per i problemi di socializzazione tra le varie culture, di integrazione, di difesa dei diritti dell'essere umano. L'aspetto umanista nella rappresentazione dei singoli individui non abbandona mai l'opera dell'artista che anzi ne fa il tuo tema principale. Opere come "Socialization” o "Democracy" meglio interpretano il sentimento dell'artista. I simboli usati da Heidi Fosli appartengono anche alla memoria storico-artistico, quella della lezione di Eduard Munch norvegese e massimo esponente dell'esistenzialismo in particolare ricordiamo "l'Urlo " di Munch sua opera emblematica. Heidi Fosli rappresenta nel suo essere una pittrice contemporanea quel sentire antico, appartenente ad uno dei più grandi Maestri della storia dell'arte. A questo Heidi Fosli opera una trasformazione, mettendo le persone, l'individuo in una condizione di isolamento, ma con la speranza di un evoluzione nell'integrazione e nei principi della democrazia per un mondo migliore dove l'individuo sia finalmente libero. Altro simbolo ricorrente è quello del ponte, un ponte immaginario che attraversa i paesi, supera le differenze, eleva lo spirito e l'anima verso un mondo migliore, opere come “Stairway to Heaven”, interpretano al meglio questo sentire. I color usati sono il blu, il grigio, il celeste tutti fusi quasi in un monocromo, atmosfere, che tanto ricordano i colori dei paesaggi norvegesi, dei fiordi, del mare blu. I colori diventano una nuvola di tessuto che permane tutta l'opera.

    Questo spirito norvegese contemporaneo ha fatto conoscere quest'artista tra le più' interessanti nel panorama attuale, in tutto il mondo. Da Tel Aviv a Roma dove si è svolta presso la Galleria Tondinelli un'importante mostra personale, che ha visto la partecipazione di autorevoli rappresentanti dell'aristocrazia italiana e della diplomazia internazionale.

    I temi rappresentati da Heidi Fosli nelle sue tele ci appartengono sono condivisibili poiché rispecchiano i problemi attuali di molti paesi nel mondo e di molte generazioni. E se l'arte come in questo caso è un momento di riflessione o fa emergere problematiche comuni allora il ruolo dell'arte è più' che mai attuale, e gli artisti come Heidi Fosli che riescono a regalarci queste emozioni vanno più' che mai incoraggiati e apprezzati. In Heidi Fosli la verità' dell'opera d'arte è un concetto che si riflette e coincide perfettamente con lo spirito dell'artista, con valori profondi e onesti che riflette nelle sue opere con visioni attuali.

    Art critic written by Zina Bercovici, Curator, Tel-Aviv, Israel, 2012

    Heidi Fosli is a sensitive artist. Her work is made of tiny brushes. Heidi does not stick to the reality. Her reality and vision is a base to emphasize her inner soul. She has the "blue paintings" in which she carefully and emotionally adds colors and shape on the gloomy blue back ground. When Heidi Fosli paints the human figure it is very interesting to see that she mainly describes the torso of the human being and less of their limbs. Perhaps she wants us to look at the soul and heart and not the material world. Heidi Fosli has a few artworks of staircases leading to nowhere. Where do they lead to? She leaves it to the spectator. That is what makes her work so special; have the viewer understand the painting in his/her way. Her paintings are interesting and she leaves a good impression on the viewer. Zina Bercovici Curator